domingo, 30 de noviembre de 2014

RICARDO ARJONA- VIAJE TOUR


RICARDO ARJONA.


Ricardo Arjona nació el 19 de enero de 1964, en Guatemala. Es cantautor y músico.
Con frecuencia aborda temas de amor y temas sociales como el racismo, la homosexualidad (canción «que nadie vea»), el secuestro (canción «La nena, bitácora de un secuestro»), la violación, la inmigración (canción «Mojado», «Puente»), el aborto (canción «Con una estrella»), la religión («Jesús verbo no sustantivo»), el machismo, la prostitución («Marta», «Cita en el bar»), la pérdida («Se fue») y hechos contingentes como atentados terroristas («Mesías», «Nadie sabe adónde va»).


v     En el año 2014, inicia su gira mundial a la que llama: VIAJE TOUR.

Viaje Tour cuenta con uno de los escenarios más grandes de Latinoamérica y tiene una puesta en escena pocas veces vista (de más de 20 metros de altura) ambientada en una estación de tren, lugar que durante dos horas es el mejor testigo de por qué Ricardo Arjona sigue siendo uno de los artistas latinos más importante.
Viaje  es el nombre del decimocuarto álbum de estudio del cantautor guatemalteco.
Fue lanzado al mercado el 29 de abril de 2014 y es una producción de Arjona con la colaboración de Dan Warner, Lee Levin y Tommy Torres, entre otros.
El álbum es el segundo lanzamiento independiente de Arjona y fue publicado por Metamorfosis, su propio sello discográfico.
En Argentina, realizó sus presentaciones en el Estadio GEBA, que es el viejo estadio del Club de Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires, donde jugaban los equipos de fútbol y rugby del club. El estadio actualmente se utiliza para espectáculos.

v     CANCIONES QUE CANTÓ EN EL SHOW:

“A la luna en bicicleta”
“El problema”
“Acompáñame a estar solo”
“Dime que no”
“Sin ti, sin mi”
“Desnuda”
“Viaje”
“Invertebrado”
“Piel pecado”
“Cavernícolas”
“Historia de taxi”
“Señora de las 4 décadas”
“Si el Norte fuera el Sur”
“Pingüinos en la cama”
“Te conozco”
“Tarde (sin daños a terceros)”
“Lo poco que tengo”
“Te quiero”
“Apnea”
“Fuiste tú”
“Minutos”
“Mujeres”



CRÍTICAS


v     Interpretación:

Para dar comienzo al show, se apagan las luces; una bicicleta antigua avanza frente a más de 18 mil personas que estaban presentes esa noche, de las cuales ninguna quedó sentada, incluyéndome a mí. Gritos, mucha emoción.

El escenario es una estación vieja de trenes: bancos, valijas, vías, todo montado teatralmente en dos pisos, llegando a una altura de casi 20 metros.
En cada lateral del escenario hay una pantalla muy grande, en la que se van mostrando los distintos momentos del show, permitiendo así, que las personas que se encuentran lejos del escenario logren visualizar al cantante.
En el campo del estadio se armaron varios sectores para ubicar al público.
Este es un show en el que se mezclan momentos íntimos, en los que Arjona canta guitarra en mano, hay pocas luces; y algunos momentos clásicos, con aquellos hits donde ninguna de las 18 mil personas quedaron sentadas. 
Historia de Taxi, Mujeres, Señora, Dime que No, Desnuda y Minutos, fueron algunos de los clásicos que no faltaron.
Sinceramente no puedo ser del todo objetiva con respecto al artista, porque me encanta y disfruto mucho escuchando su música, pero lo que si puedo reconocer es lo magnífico del show, no solo en lo que respecta al artista en sí, sino también a la puesta en escena del mismo.
Este fue mi primer recital en todo sentido, es decir, fue la primera vez que iba a ver a Arjona, y a su vez, la primera vez que asistía a un recita de ésta impronta, por lo que estaba muy emocionada. Quise ir desde un principio, pero no logré conseguir entradas, así que me había desilusionado. Por suerte, un día antes del show, mi novio me dio la sorpresa de traerme tres entradas para ir. Me puse muy feliz, era algo que deseaba mucho.
Estuve ubicada en la fila 25, por lo que podía ver el show de un lugar bastante cerca. La escenografía dispuesta para el recital fue increíble. El escenario, enorme, ambientado en una estación de tren, en el que además podían verse otros elementos, como valijas, señales de tránsito, y hasta un auto transformado en taxi. Una voz informa, que el tren ha llegado a destino, y que es momento de comenzar a disfrutar del lugar.
A los pocos minutos, el artista aparece, pedaleando en una bicicleta, dando inicio al show con una canción del último álbum.
El show en su totalidad es increíble, me gustó mucho. El es una persona que tiene muchos años en el escenario y maneja cada show con mucha profesionalidad. Como dije antes, tengo un gusto muy personal por él y por su música, así que me encantó haber estado allí presente. Pude disfrutar al máximo de cada momento, de cada tema, y hasta incluso de cada palabra dicha por el artista.
El genera un ambiente muy íntimo en sus recitales, dialogando con el público, permitiendo que en uno de sus temas clásicos, como lo es “señora de las cuatro décadas” una mujer suba al escenario y él le cante al oído, llegando al público desde el humor y el amor.
Es una persona muy seductora, y juega con eso de manera constante, con sus actos, sus gestos, su manera de actuar. Por momentos, me hizo olvidar de la cantidad de personas que había en el show, para imaginar que solamente me estaba cantando a mí.
Cantó tanto los temas del nuevo álbum como así también los clásicos, que fue lo que más le gustó al público.
El show termina con la misma estación de tren que del principio (proyectándose el tren en pantallas gigantes) y con la voz de la misma mujer, anunciando que era el momento de la partida, que el viaje ha llegado a su fin, y que es hora de volver a casa, cosa que nadie tenía ganas de hacer, sino que por el contrario, las personas del público hubiésemos deseado que cante dos horas más.
El show duró exactamente dos horas y fueron hermosas. Fue una muy linda y emocionante experiencia para mí, ya que además, pude compartirla con mi novio y con mi mamá, a la que también les gusta mucho Ricardo Arjona.
Para terminar quiero decir que el haber presenciado el show me generó mucha emoción, alegría, e hizo que me gusté mucho más su trabajo, su carrera. Es como que a partir de ese día lo veo a él como de un mundo más cercano al mío, ya que esa noche “nos conocimos”.

 SIGNOS DEL AUTOR.

v     Signos visuales:

Los signos visuales que aparecen en el show son: los gestos o movimientos del cuerpo que el artista realizaba en cada canción interpretada.

Además, en cada una de ellas utilizaba algún instrumento musical o un objeto escenográfico que formaba parte de la historia que se contaba en el tema. Como por ejemplo, al aparecer por primera vez en el escenario, y para dar inicio al recital, lo hizo pedaleando una bicicleta, más grande que las convencionales, y con diferentes “bocinas”; o en su clásica canción “historia de taxi”, para la cual utiliza un auto, pintado como un típico taxi, y canta dicha canción desde arriba del mismo; entre otros.

v     Signos auditivos:
                           
Dentro del show, obviamente que los signos auditivos presentes desempeñan un papel principal, ya que es un recital de un músico.
Con cada canción interpretada, el cantautor habla acerca de distintos temas, como el amor, el desamor, cuestiones sociales y políticas, la mujer, el estado del hombre frente al amor, etcétera.
El autor, junto con las melodías creadas por los distintos instrumentos musicales intervinientes, y acompañado además por el juego de luces, lograba crear distintos climas según lo ameritaba cada momento.
A lo largo de todo el espectáculo, Arjona mantuvo un diálogo constante con todas las personas que estábamos presentes esa noche. Es decir, que entre el artista y su público, no todo se transmitía mediante las letras de las canciones, sino que también a través de otras situaciones creadas, por ejemplo, por algún cartel gracioso que llevaron algunas de las fans, los cuales él tomaba como punto de partida para dar comienzo a la próxima canción, o simplemente lo leía en voz alta, y se reía.
Como digo en cada una de las críticas realizadas, sin dudas, el espectáculo no sería el mismo sin el talento único del artista al escribir todas y cada una de las canciones, con las que muchas veces me siento identificada; sin su calidez para con su público, y su maravillosa voz.


v     Efectos sonoros no articulados:

El espectáculo, además de la voz del cantante, fue acompañado por el juego de luces, la gran escenografía, y la música.
Cada canción contaba una historia diferente.
En el espectáculo aparecen además de las canciones, distintos textos pronunciados, haciendo referencia en algunos casos al tema anterior o precedente, y en otros, como nombre antes, a determinada situación que tenía que ver con esa misma noche, en ese momento en el que el show trascurría.

v     Apariencia exterior del actor:

En éste caso, el artista no considero que haya estado maquillado ni peinado.
El tiene un estilo clásico, pero a la vez diferente, que mantiene a lo largo del tiempo. No se si tendrá un asesor de imagen, ya que lo veo como que el es quién decide como vestirse, y de hecho, opino que le queda muy bien lo que se ponga, dado que es un hombre que hace ejercicios y cuida mucho su apariencia, a juzgar por lo que siempre vemos o escuchamos de él.
Al comenzar el show se encontraba con un Jean oscuro, botas y un saco, ya que hacía bastante frío. Luego, se sacó el saco y tenía una remera larga hasta las rodillas, algo raro, pero no por eso, feo.
Mas adelante, en uno de los juegos del show, ya sea de luces, de músicas, de ritmos, desapareció un instante, y volvió al escenario con otra remera, y un gorrito, como ya ha utilizado en varias ocasiones.

v     Signos fuera del actor:


Puedo mencionar dentro de ésta clasificación a la escenografía utilizada en el espectáculo, la cual estaba montada en dos pisos que conjuntamente alcanzaban los 20 metros de altura. Contaba además con pantallas gigantes tanto en el primer piso, como a los laterales del escenario, lo que permitió que la gente que se encontraba en las tribunas y en el campo, puedan ver bien todo el show.
Si bien me hubiese encantado estar más cerca del escenario, disfruté muchísimo de cada momento del recital, y lo vi muy bien desde el lugar en el que me encontraba.
La historia transcurría en una estación de tren vieja, haciendo alusión al nombre de su último trabajo discográfico, y de la gira: “VIAJE”.
Como nombré a lo largo del trabajo, la voz de una mujer daba por comenzado el show, diciendo que el tren había llegado a destino y que deseaba que todos los pasajeros tengan una agradable estadía. El escenario estaba ambientado con valijas, vías de tren, en determinado momentos aparecía una especie de vagón viejo y hasta un auto.
La misma mujer, anunciaba el final del “viaje”, anticipando el final del show.
El cantante, hace su aparición, pedaleando una bicicleta, desde el segundo piso, cantando una canción del nuevo álbum.
A lo largo del show, el enorme despliegue escenográfico, acompaña al artista a la perfección. Cada detalle está pensado de manera minuciosa, y la totalidad del show es maravilloso.


 Bibliografía consultada:

https://mundoarjona.com/

es.wikipedia.org/wiki/Ricardo_Arjona

www.entradasyconciertos.com/conciertos-de/ricardo-arjona/

http://es.wikipedia.org/wiki/Viaje_%28%C3%A1lbum%29

VOCALRISANDO- GRUPO CORAL


VOCALRISANDO- GRUPO CORAL

 Es un coro humorístico teatral que trabaja bajo la dirección y arreglos de Sebastián Guzmán. Interpreta un repertorio popular en versiones que combinan la armonía vocal con el humor y la puesta en escena.
Las obras de autores como Les Luthiers, Agarrate Catalina, y El Gran Tuleque, fueron abriendo camino a las composiciones propias del grupo, que muestran una aguda visión de graves situaciones como medio para reflexionar y al mismo tiempo, alegrar a la platea, entonando los agudos, graves y medios que requiera cada partitura.
Esta particular propuesta es el resultado de una suma de individualidades que, en su totalidad, aportan a VOCALRISANDO, su experiencia recorrida desde las distintas ramas del arte.
Desde su formación, a principios del año 2008, el grupo ha logrado fusionar el humor y la música coral, mostrando una aguda visión de los hechos cotidianos en clave de humor.
El grupo vocal humorístico-teatral VocalRisando, presenta su espectáculo: "Escenas de la vida cotidiana de un argentino como usted... no quisiera ser".
En el transcurso del espectáculo, se pone especial énfasis en algunas de las escenas cotidianas que se producen casi sin que sus protagonistas les presten atención.
Con el canto, el humor y la ironía como herramientas para entretener a la platea, se abordan temáticas tales como la pasión por las delicias argentinas en su alabanza a "San Colesterol", la nueva sociedad tecnológica, en la cual las personas no pueden vivir sin su celular y sin internet, entre otros.


·        VOCALRISANTES:
Sebastián Guzmán, Patricia Robledo, Anita Conde, Noel De Lorenzi, Lucía Bobadilla, Adriana Efron, Daniela Morteyrú, Fernanda Corvalán, Vanina Gaviola, Marcela Alba, Paz Moreira, Rolando Trozzi, Hernan Blasco, Julio Hernández, Adrián Bordón, Pablo Avezza, Martín Cntet, Maximiliano Zahn y Wany Aranda.

EL DIRECTOR:
SEBASTÍAN GUZMÁN.
·        Es Profesor Nacional de Música, egresado del Conservatorio Nacional de Música "Carlos López Buchardo".
·        Licenciado en Dirección Coral. Departamento de artes musicales- IUNA.
·         Estudió: guitarra, armonía, composición, canto, dirección, teatro y comedia musical.
·         Aborda la estética coroteatral desde el año 2000 con diferentes agrupaciones.
·         Participó en la “Expo Les Luthiers 40 años”, en el Centro Cultural Recoleta, en agosto del año 2007, dirigiendo al “Coro Boca a Boca”.
·         Actualmente dicta un seminario de “Teatralidad Coral”, en Buenos Aires y en el interior del país, para agrupaciones vocales de diversas características.
·         Es director y arreglador en la actualidad de los siguientes coros/grupos vocales: “Coro Boca a Boca”, “LoCoral”, , “Simbólica”, “Vocal en Canto”, “Coro del Hospital Rivadavia”, “Vocal Risando”. Los dos últimos fueron declarados de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.




El grupo VOCALRISANDO, realizó su presentación en el Centro Cultural Carlos Gardel, con el lema “Buenos Aires canta”.

·         Datos del lugar:

El Espacio Cultural Carlos Gardel es uno de los principales actores en la impronta de la identidad barrial donde se desarrollan diversas actividades: muestras plásticas, talleres, espectáculos, encuentros vecinales, actividades para escuelas y diferentes instituciones de la zona. La dirección es Olleros 3640.


·        Buenos Aires Canta:

En el año 2014, se puede disfrutar de este espectáculo del 25 al 30 de noviembre.
El Ministerio de Cultura a través de la Dirección General de Música, la Dirección General del Libro, Bibliotecas y Promoción de la Lectura y la Dirección General de Promoción Cultural; junto a la Asociación de Directores Corales de la Filial Ciudad de Buenos Aires (ADICORA), invita al encuentro coral Buenos Aires Canta 2014.
En 1984 se realizó el primer Buenos Aires Canta, organizado por el entonces Centro de Divulgación Musical de la Municipalidad de Buenos Aires. Con 70 coros y más de 1400 voces. Tuvo su cierre en el Luna Park. Hoy, treinta años después, se vuelve a celebrar aquel suceso, produciendo una semana de conciertos corales por toda la Ciudad, en Bibliotecas y Centros Culturales, para terminar el domingo 30 con un gran encuentro de masa coral en el Anfiteatro del Parque Centenario, Leopoldo Marechal y Lillo, con entrada libre y gratuita.


     El espectáculo pude verlo el Martes 27 de noviembre, a las 19.30 hs.
Ese día, también realizaron sus presentaciones el Coro de la Sociedad de Socorros Mutuos de Belgrano, con Dirección de Gabriel Forastieri; y el Coro de la Comunidad de Belgrano  Day School, con Dirección de Reinaldo Arena, Coral Santa Brigida y Silvina Valdettaro.

CRÍTICAS

·        Interpretación:
Vi éste espectáculo el día jueves 27 de noviembre. Llegué hasta él mediante la búsqueda en la Agenda Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
Mi idea era encontrar un espectáculo diferente al que haya visto hasta el momento y lo logré. Lo que llamó mi atención desde el principio, cuando me puse a buscar información sobre el grupo, fue el hecho de que hagan humor y teatro mediante coros. No podía imaginar bien cómo sería, y me intrigaba. De todas maneras, pensé que quizás sería aburrido, largo, que no me iba a gustar mucho.
Cuando llegué, era temprano, así que entré con mis compañeras y pudimos ver un rato el ensayo de los tres coros que se presentaban ese día. Esto, nos generó muchas ganas de ver en particular al grupo Vocalrisando, ya que nos llamó la atención su vestimenta. La misma era muy colorida y me imaginaba que iban a interpretar algo alegre y divertido.
Comenzó el espectáculo con la presentación de otro de los grupos corales. Realmente muy talentosos cada uno de los integrantes. Unas voces espectaculares y eligieron interpretar canciones bien argentinas, como una chacarera, una canción de Peteco Carabajal y “Garganta con arena”, de Cacho Castaña, algo que me pareció muy original, y las versiones que hicieron fueron, a mi criterio, muy bien logradas.
Luego, llegó el turno de éste grupo que tanta expectativa me generaba ver. Puedo decir que me reí desde que empezó hasta que terminó. Nunca pensé primero, ir a ver un “coro”, pero lo que realmente jamás imaginé fue que me fuera a gustar tanto. Con esto, puedo concluir que el hecho de que no conozca algo, no quiere decir que sea feo, ni mucho menos que no me vaya a gustar, ya que me pasó todo lo contrario, tanto con éste espectáculo, como el que tuve la oportunidad de apreciar en el Teatro San Martín, la obra “Anne Frank”.
Los artistas y el director de este grupo son sumamente talentosos. No solo tienen unas voces espectaculares, sino que además, actúan, bailan, hacen reir y disfrutar a la gente; hacen humor.
Hacen parodias de canciones conocidas, tocando temáticas tales como la vida de las personas con internet y los celulares; el colesterol, y cierran con un Himno a las maestras jardineras, algo que nos sorprendió muchísimo, ya que no era para nada predecible. En ese momento, con mis amigas nos miramos, y no podíamos parar de reírnos y de repetirnos que alguna fuerza nos había hecho llegar hasta ahí y no podíamos creer que se haya dedicado un segmento exclusivo a la maestra. Fue gracioso y hasta por momentos algo “agresivo”, pero siempre desde el humor.
Los temas son abordados representando a situaciones de la vida cotidiana de las personas en la sociedad actual, algo exagerados, pero muy reales, en el sentido que son cosas que las personas hacemos diariamente, sin darnos cuenta que las hacemos, como por ejemplo, vivir pendientes del celular, tan al extremo que si nos quedamos sin batería o crédito, nos desesperamos.
No existe un único protagonista, sino que es un protagonismo conjunto entre los artistas.
Me llamaron la atención ciertas particularidades que tiene éste espectáculo: por un lado, que es gratuito; y por el otro es que es un espectáculo que no está bien difundido, cuestiones que considero injustas, ya que artistas de tal categoría merecen el reconocimiento de la gente.
Es un espectáculo digno de ser visto y al que recomiendo para que las personas vayan a ver.
El tener que hacer este tipo de trabajos me brindó la posibilidad de conocer distintos lenguajes artísticos y de ampliar mi repertorio de espectáculos, y es algo que considero muy valioso.

Signos visuales:

Los signos visuales que aparecen en el espectáculo pueden ser los que expresaban con sus cuerpos los artistas. A veces, los movimientos eran suaves (ligados) y lentos, y en otros momentos eran más fuertes y bruscos (cortados), dependiendo del tema y de la canción interpretada.
También, realizaban sus interpretaciones con gestos en sus caras o desde algún movimiento corporal, siempre muy exagerados.
No existían elementos escenográficos.
El director de la obra se encontraba arriba del escenario, formando parte también de la misma, tocando un instrumento parecido a una guitarra, pero más chico. En determinados momentos, bajaba de escenario y luego volvía al mismo.
La sola presencia de los actores transformaba la simpleza de la puesta en escena, en algo espectacular.
La obra no tenía escenografía, sino que el escenario estaba vacío, (solo acompañado por un telón negro) y los artistas lo recorrieron en todo momento. Si bien el mismo no era muy grande, se supo aprovechar muy bien el espacio existente.
La luz fue muy suave en el escenario, y el público se encontraba con la luz apagada.
Como el espacio no es muy grande, el espectáculo se puede disfrutar muy bien desde cualquier ubicación.


Signos auditivos:

Dentro de la obra, los signos auditivos presentes desempeñan un papel principal, ya que se trata de un espectáculo coral, por lo que las voces de los artistas son fundamentales.
A la vez, la expresión corporal también está muy presente.
Los artistas cantan, bailan y actúan, de manera simultánea, contándonos distintas situaciones que viven las personas en la vida cotidiana, cargadas de humor.
La única melodía presente es la que realiza el director de la obra, con un instrumento musical de cuerda, similar a una guitarra, pero de un tamaño más pequeño.
Los artistas no sólo tienen voces brillantes, sino que además bailan y actúan. Son sumamente talentosos.

     
          Efectos sonoros no articulados:

     En el espectáculo no existen efectos sonoros no articulados, ya que hay presencia tanto de textos hablados y de palabras pronunciadas, ya sean cantadas o habladas en distintos momentos.


 Apariencia exterior del actor:

El maquillaje y peinado de los actores, eran muy simples y naturales.
En cuanto al vestuario, los artistas tenían pantalones negros, tantos hombres como mujeres, y una remera del mismo color, pero en la parte delantera, cada uno tenía un color distinto, muy llamativo, lo que captó mi atención desde que los vi, antes de que subieran al escenario, lo que considero que es un punto a favor en la parte previa, ya que me imaginaba que iban a interpretar algo alegre, divertido, lo que pude confirmar posteriormente.
El hecho de que no haya habido elementos escenográficos hizo que toda la atención del público se centre en cada uno de los protagonistas y fue muy interesante.

Signos fuera del actor:

Como nombre en partes anteriores, la obra no contaba con escenografía, sino que el escenario estaba vacío. Solo había colocado de fondo, un telón de color negro.
El escenario no era muy amplio, y los artistas en escena eran bastantes, por lo que en un principio, pude interpretar que no se desplazarían cómodamente, pero surgió todo lo contrario, ya que el espacio estuvo muy bien utilizado por los actores.
La iluminación acompaño muy bien durante la totalidad del espectáculo y la música, solo la reproducida por la guitarra del director, fue muy agradable de escuchar.

A modo de conclusión me permito agregar que, si bien no fui demasiado confiada de que tal lenguaje me iba a gustar, sino que pensé que un coro me iba a aburrir, debo confesar que me pasó todo lo contrario y que, no solo me reí y divertí mucho, sino que también pude disfrutarlo y abrir mi mente para proponerme conocer cosas desconocidas hasta el momento, dado que las experiencias que tuve hasta el momento fueron muy positivas.

Bibliografía Consultada:

·         http://www.vocalrisando.com.ar


jueves, 27 de noviembre de 2014


“ANNE FRANK”



BALLET CONTEMPORÁNEO DEL TEATRO SAN MARTÍN.


El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín (BCTSM) fue creado en 1977. Dirigido en los comienzos por Ana María Stekelman, actualmente es conducido por Mauricio Wainrot y la directora asociada es Andrea Chinetti. Destacada como una de las compañías más relevantes de la danza contemporánea en la Argentina, en 2012 el BCTSM celebra treinta y cinco años de actividad ininterrumpida, un hecho definitivamente trascendente que le ha permitido consolidar para sus producciones un nivel artístico de excelencia, reconocido en el país y en el mundo.

 La compañía como tal se inició cuando, en 1977, Kive Staiff, por entonces Director General y Artístico del Teatro San Martín, convocó a la bailarina y coreógrafa Ana María Stekelman para ponerla al frente de lo que en ese momento se denominó Grupo de Danza Contemporánea del Teatro Municipal General San Martín. El nombre con el que hoy se conoce al elenco fue adoptado, definitivamente, en 1988. Desde entonces, y durante distintos períodos, el BCTSM estuvo dirigido por Norma Binaghi, Lisu Brodsky y Alejandro Cervera; Oscar Araiz; Andrea Chinetti y, desde 1999, por Mauricio Wainrot.

El BCTSM ha realizado numerosas giras nacionales e internacionales presentándose entre otros países en la ex Unión Soviética, España, Canadá, Brasil, Uruguay y Estados Unidos. Y ha sido honrado con la visita de prestigiosos coreógrafos argentinos y extranjeros que han montado obras para la compañía: Ana Itelman, Renate Schottelius, Ana María Stekelman, Oscar Araiz, Alejandro Cervera, Gustavo Lesgart, Roxana Grinstein, Noemí Lapzeson, Roberto Galván, Margarita Bali, Susana Tambutti, Walter Cammertoni, Miguel Robles, Carlos Casella, Diana Szeinblum, entre otros.


Mauricio Wainrot:

Director artístico del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, fue coreógrafo permanente del Royal Ballet de Flanders durante once temporadas, director de Les Ballets Jazz de Montreal y del Grupo de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Estudió en el Teatro Colón con Vasil Tupin y Eda Aisemberg, y fue primer bailarín del Royal Winnipeg Ballet de Canadá, del Teatro Municipal de Río de Janeiro y del Ballet de Cámara de Caracas. Montó sus obras para compañías como el English National Ballet, Royal Swedish Ballet, Ballet Royal de Wallonie, Hubbard Street Dance Chicago, The Cincinnati Ballet, Juilliard Dance Ensemble, Bat Dor Dance Company – Israel, Ballet de l’Opera de Bordeaux, Ballet du Capitole de Toulouse, el Ballet Estable del Teatro Colón, Singapore Dance Theater y los ballets nacionales de Turquía, México, Chile y Uruguay. Entre sus obras más representativas, figuran: Carmina Burana, La tempestad, Medea, Un tranvía llamado Deseo, El Mesías, La consagración de la primavera, Las 8 estaciones, Luz distante, Anna Frank, Looking Through Glass, Travesías y Flamma Flamma. Junto con el escenógrafo y artista plástico Carlos Gallardo, creó más de 40 obras, que han sido representadas por 50 compañías de danza y ballet en todo el mundo. Fue jurado de tres de los más destacados premios internacionales: el Benois de la Danse de Moscú, la New York International Dance Competition y el Prix de Lausanne. En 2008, fue condecorado por el Rey Alberto de Bélgica como Caballero de la Orden de Leopoldo I por su extraordinario aporte artístico al mundo de la danza. Este año fue nominado al Premio Benois de la Danse por La canción de la tierra, creada para el Ballet Contemporáneo en 2013.







ANNE FRANK

Coreografía: Mauricio Wainrot.          
Música: Béla Bartók.
Escenografía y vestuario: Carlos Gallardo.
Iluminación: Eli Sirlin.
Asistente de vestuario y escenografía: Analía Morales.
Meritorio de iluminación: Héctor Zanollo.                                                            
Duración: 45 minutos.
Intérpretes:
Anne Frank: Ivana Santaella / Flavia Dilorenzo*
Otto Frank:Rubén Rodríguez / Matías De Cruz*
Edith Frank: Eva Prediger / Victoria Balanza*
Margot Frank: Melisa Buchelli / Silvina Pérez*
Señora Van Daam: Carolina Capriati / Érika Zimmermann*
Señor Van Daam: Adriel Ballatore Crosa / Boris Pereyra*
Peter Van Daam: Matías Santander / Lautaro Dolz*
Gestapo: Margarita Wolf – Nicolás Miranda – Facundo Cornejo / Paula Ferraris* - Federico Arabia* - Jean-Blaise Druenne*
La joven Lucía Bargados / Laura Higa*

* “El terrible destino de las ocho personas que, durante más de dos años, convivieron desterradas en el pequeño anexo de un edificio de Amsterdam bajo el peor régimen fascista que haya existido, es la excusa para abordar los temas de esta obra. La intolerancia religiosa, política y racial, y la arbitrariedad de un poder totalitario sin límites que termina por destruir y corromper a todos los individuos –verdugos o víctimas– ha sido mi real preocupación. Trabajé con imágenes extraídas del Diario de Anne Frank y, especialmente, de un libro con testimonios de personas que conocieron a los habitantes del anexo. De todos ellos, el único sobreviviente fue Otto Frank, el padre de Anne. Y es precisamente con su regreso, unos meses después de finalizada la guerra, que comienza mi obra. 
Mientras ahondaba en esta realidad, surgieron vivencias y anécdotas de mi propia historia, y la de todos mis familiares que sucumbieron, quién sabe dónde, en condiciones similares a las que padecieron los Frank, los Van Daam, los Dussel y millones de personas que fueron víctimas de la intolerancia. La voz de Anne es la de ellos y la de quienes amamos y respetamos el sagrado don de la vida por encima de todas las cosas. Por eso, dedico esta obra a los mártires y sobrevivientes de todos los genocidios. Y a mi familia”.
Mauricio Wainrot.

* Luego de su estreno en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín, en 1984, Anne Frank fue montada por las compañías internacionales English National Ballet (Inglaterra), el Ballet Royal de Wallonie (Bélgica), los ballets de las óperas de Gotemburgo (Suecia), Wiesbaden y Hildesheim (Alemania), el Ballet de Cámara de Caracas (Venezuela), los ballets de Florida, Cincinnati y Omaha (Estados Unidos), el Ballet Nacional Chileno (Chile) y el Ballet del Teatro Colón (Argentina).


ü      Puede verse un resumen de la obra en el siguiente link:








CRÍTICAS: ANNE FRANK.


v     Interpretación:


Esta fue la primera vez que fui el teatro a ver un espectáculo de danza contemporánea. Se me presentó la oportunidad gracias a la profesora de Expresión Corporal del profesorado de Nivel Inicial al que concurro diariamente.

Me gustó mucho la idea de conocer nuevos caminos ya que, como dije antes, sería mi primera experiencia en éste lenguaje artístico.
Sabía con anticipación que obra iríamos a ver, y cuando me enteré me intrigó, debido a que, una amiga había leído “El diario de Anne Frank” y me lo había recomendado para leer, lo que estaba postergando por diferentes motivos. Además, me intrigaba mucho saber como se podría hacer para llevar una historia a un escenario, y contarla solamente mediante la danza. De todas maneras, me imaginaba que existiría un texto hablado. Esto no fue así. Solamente la historia entera fue contada a través de la danza.
Con respecto a la historia, la conocía pero no en profundidad. Lo que me generaba mucha expectativa.
Desde el comienzo, la obra me atrapó, y me cautivó. Es increíble como se logró transmitir una historia tan dramática, cruel, aterradora, solamente con la danza. No existió en ningún momento la palabra, sino que todo fue representado mediante gestos, movimientos y muy bien acompañado por la música y la iluminación.
Cada escena fue ambientada con muchos detalles en cuanto a lo que se quería transmitir, por ejemplo, momentos de tensión, de tranquilidad, momentos de tensa calma, por así decirlo, ya que la historia es muy triste en sí. La misma cuenta la triste y cruel realidad que vivió una sociedad bajo el régimen Nazi.
El espectáculo fue tan bien puesto en escena, que la historia pudo ser comprendida en su totalidad. Fue increíble como simplemente por medio de la expresión del cuerpo me mantuvo expectante desde el comienzo al fin, y con deseo de saber como se desarrollaría la historia, y cual sería el desenlace final de la misma. Fue contada a la perfección.
Creo que el no haber leído nunca el libro me resultó como un punto a favor ya que pude disfrutar muchísimo, conociéndola en ese momento. Fue una experiencia hermosa, que me permitió conocer dos cosas a la vez: la danza contemporánea y la historia de vida de la joven Anne Frank y su familia.
Los actores de la obra merecen todos los aplausos del mundo. Sin su forma de expresarse, la obra no hubiese sido tal cual fue. Son todos los artistas sumamente talentosos, pero la protagonista de la misma es excelente, realmente admirable. Tuvo una participación activa durante los 45 minutos que duró la obra y no hubo un solo momento en el que se desluciera. Es absolutamente increíble.
Es un espectáculo digno de ver y altamente recomendable. No me quedó una sola persona a la que no le haya transmitido mi emoción como espectadora. Me provocó muchas sensaciones, sentimientos. Se me puso la piel de gallina en muchos momentos de la obra.
Si bien entré al teatro con mucha intriga, debo decir que la obra superó ampliamente mis expectativas.



v     Signos visuales:

Los signos visuales que aparecen en el espectáculo pueden ser los que expresaban con sus cuerpos los actores. A veces, los movimientos eran suaves (ligados) y lentos, y en otros momentos eran más fuertes y bruscos (cortados), dependiendo del momento de la historia.
También, realizaban sus interpretaciones con gestos en sus caras o desde algún movimiento corporal, ya sea de dolor, de tristeza, de miedo, de angustia y hasta quizás, en menos oportunidades, podrían llegar a mostrar lo que pude interpretar como una tranquilidad momentánea.

v     Signos auditivos:

Dentro de la obra, los signos auditivos presentes desempeñan un papel principal. La música fue parte muy importante durante el desarrollo del espectáculo.
La misma me transmitía angustia, tristeza y miedo, ya que la historia que se representaba era muy triste y cruel, así que considero que la música elegida fue la acorde a la historia que se contó.
La misma creaba distintos climas según lo ameritaba cada momento.
En la obra no existen las palabras habladas, ni textos pronunciados, todo fue transmitido mediante la danza.
Sin dudas, el espectáculo no sería el mismo sin el talento único de cada uno de los artistas en escena.

v     Efectos sonoros no articulados:

En la obra, como bien dije antes, no existieron ni el texto pronunciado, ni palabras habladas. Solo fue acompañada por el juego de luces y la música.
Toda la obra fue contada mediante los movimientos corporales.
En el único momento que aparecieron las palabras fue en el final, cuando uno de las artistas que representaba a un soldado Nazi, fue nombrando a los protagonistas de la obra, es decir, nombrando a quienes representaban los bailarines, quienes se caían cuando decían su nombre. El único que no se cayó fue el artista que representaba al padre de Anne Frank. Esto me llevó a interpretar que lo que significaban esas caídas era que esas personas habían muerto, ya que en la historia real, el único sobreviviente fue justamente el papá de Anne Fran, el señor Otto Frank.

v     Apariencia exterior del actor:

 El maquillaje y peinado de los actores, fue muy simple. Considero que esto fue correcto ya que la época y la historia representada fue muy oscura, muy triste. No hubiese sido pertinente que los artistas hubiesen estado muy producidos.
En cuanto al vestuario puedo decir que me pareció muy simple y sencillo también, pero como ya nombré anteriormente, muy acordes a la época de la historia transmitida.
Las mujeres vestían vestidos amplios y los hombres trajes. Tuvieron un cambio de vestuario, muy bien logrado, en el que se interpretó a un paso del tiempo.
Los artistas debían estar cómodos para realizar sus expresiones corporales.
Cada detalle del espectáculo logró cautivar mi mirada como espectadora.


v     Signos fuera del actor:

Puedo mencionar dentro de ésta clasificación a la escenografía utilizada en la obra. La historia transcurría en un lugar de refugio en el que se encontraban tres familias. Podría interpretarse como una gran habitación en la que convivían estas familias, en busca de no ser encontradas para luego ser torturados, como muchas personas si lo fueron.
En determinados momentos, esta parte del escenario se oscurecía, y se iluminaba una parte trasera del mismo, que anteriormente parecía no existir. En ella se podían apreciar los campos de concentración y detención Nazi, en los que estaban los prisioneros de esa época tan triste y oscura.
Como conté a lo largo del presente trabajo, tanto la música, como el enorme talento de los artistas en escena, son fundamentales en el espectáculo. Sin el manejo existente en el, muy bien logrado, nada hubiese sido igual. No puedo dejar de nombrar tampoco, al gran trabajo de director y coreógrafo del Ballet Contemporáneo, ya que el es el responsable de ésta magnífico espectáculo.